Самые знаменитые картины

Фотография: Courtesy CC/FlickrDystopos
1. Леонардо да Винчи, Мона Лиза, 1503-19 гг.
Нарисованный между 1503 и 1517 годами, манящий портрет да Винчи со дня его создания преследуют два вопроса: Кто изображен на картине и почему она улыбается? За прошедшие годы было выдвинуто множество теорий: Это жена флорентийского купца Франческо ди Бартоломео дель Джокондо (отсюда и альтернативное название работы, La Gioconda); что это мать Леонардо, Катерина, созданная на основе воспоминаний Леонардо о ней в детстве; и, наконец, что это автопортрет в драме. Что же касается знаменитой улыбки, то ее загадочность веками сводила людей с ума. Какова бы ни была причина, взгляд Моны Лизы, исполненный сверхъестественного спокойствия, сочетается с идеализированным пейзажем позади нее, который растворяется вдали благодаря использованию Леонардо атмосферной перспективы.

Фотография: Courtesy CC/Flickr/Nat507
2. Йоханнес Вермеер, Девушка с жемчужной сережкой, 1665 год
Изображение молодой женщины, выполненное Иоганном Вермеером в 1665 году, поразительно реально и поразительно современно, почти как фотография. В связи с этим возникают споры о том, использовал ли Вермеер для создания этого изображения дофотографическое устройство, называемое камерой-обскурой. Оставим это в стороне, натурщица неизвестна, хотя есть предположение, что она могла быть служанкой Вермеера. Он изобразил ее оглядывающейся через плечо, фиксирующей взгляд на зрителе, словно пытаясь установить интимную связь через века. С технической точки зрения, Девушка это не портрет, а скорее пример голландского жанра под названием tronie — снимок головы, который больше похож на натюрморт с чертами лица, чем на попытку запечатлеть сходство.

Фотография: Courtesy CC/Flickr/Wally Gobetz
3. Винсент Ван Гог, Звездная ночь, 1889 г.
Самая популярная картина Винсента Ван Гога, Звездная ночь была создана Ван Гогом в приюте в Сен-Реми, где он поселился в 1889 году. Действительно, Звездная ночь Похоже, это отражает его бурное душевное состояние в то время, поскольку ночное небо оживает в вихрях и сгустках неистово наносимых кистью следов, возникающих из инь и янь его личных демонов и благоговения перед природой.

Фотография: Courtesy CC/Flickr/Jessica Epstein
4. Густав Климт, Поцелуй, 1907-1908 гг.
Пышная позолота и экстравагантные узоры, ПоцелуйИзображение интимной близости, созданное Густавом Климтом в стиле fin-de-siècle, представляет собой смесь символизма и венского югендстиля, австрийского варианта модерна. Климт изображает свои сюжеты в виде мифических фигур, осовремененных пышными поверхностями с актуальными графическими мотивами. Эта работа является вершиной «золотой фазы» творчества художника в период с 1899 по 1910 год, когда он часто использовал сусальное золото — технику, вдохновленную поездкой в 1903 году в базилику Сан-Витале в Равенне, Италия, где он увидел знаменитые византийские мозаики церкви.

Фотография: Courtesy CC/Flickr/arselectronica
5. Сандро Боттичелли, Рождение Венеры, 1484-1486 гг.
Боттичелли Рождение Венеры была первой нерелигиозной обнаженной картиной в полный рост со времен античности и была сделана для Лоренцо Медичи. Утверждается, что фигура богини любви была создана по образцу Симонетты Каттанео Веспуччи, чьи услуги якобы разделяли Лоренцо и его младший брат Джулиано. Венеру на гигантском моллюске выносят на берег боги ветра Зефир и Аура, а олицетворение весны ждет ее на суше, укрыв плащом. Неудивительно, Венера вызвала гнев Савонаролы, монаха-доминиканца, который возглавил фундаменталистскую борьбу со светскими вкусами флорентийцев. Его кампания включала печально известный «Костер тщеславия» 1497 года, в ходе которого на костре сжигались «профанные» предметы — косметика, произведения искусства, книги. Рождение Венеры была запланирована к сожжению, но каким-то образом избежала уничтожения. Боттичелли, однако, был так напуган этим инцидентом, что на некоторое время забросил живопись.

Фотография: REX/Shutterstock/Universal History Archive
6. Джеймс Эбботт Макнилл Уистлер, Аранжировка в сером и черном цветах № 1, 1871 г.
Мать Уистлера, или Аранжировка в серо-черных тонах № 1, как она, собственно, и называется, говорит о стремлении художника заниматься искусством ради искусства. Джеймс Эбботт Макнилл Уистлер написал эту работу в своей лондонской студии в 1871 году, и в ней формальность портрета превращается в эссе о форме. Мать Уистлера, Анна, изображена как один из нескольких элементов, зажатых под прямым углом. Ее суровое выражение лица соответствует жесткости композиции, и можно с некоторой иронией отметить, что, несмотря на формалистские намерения Уистлера, картина стала символом материнства.

Фотография: Courtesy CC/Flickr/Centralasian
7. Ян ван Эйк, «Портрет Арнольфини», 1434 г.
Одна из самых значительных работ, созданных в эпоху Северного Возрождения, эта композиция считается одной из первых картин, выполненных маслом. Двойной портрет в полный рост, предположительно изображающий итальянского купца и женщину, которая может быть, а может и не быть его невестой. В 1934 году знаменитый историк искусства Эрвин Панофски предположил, что на самом деле картина представляет собой свадебный контракт. Можно с уверенностью сказать, что это одно из первых изображений интерьера с использованием ортогональной перспективы для создания ощущения пространства, которое кажется соприкасающимся с собственным пространством зрителя; это картина, в которую можно шагнуть.

Фотография: Courtesy CC/Flickr/Centralasian
8. Иероним Босх, Сад земных наслаждений, 1503-1515 гг.
Этот фантастический триптих принято считать далеким предтечей сюрреализма. На самом же деле это выражение художника позднего Средневековья, который верил, что Бог и Дьявол, Рай и Ад реальны. Из трех изображенных сцен на левой панели изображен Христос, представляющий Еву Адаму, а на правой — адские злодеяния; менее ясно, изображен ли на центральной панели рай. В перверсивном видении ада Босха огромные уши, вооруженные фаллическим ножом, нападают на проклятых, а на троне восседает птицеголовый король жуков с камерным горшком вместо короны, пожирающий обреченных, а затем снова их испражняющий. Это буйство символизма практически не поддается интерпретации, что, возможно, объясняет его широкую популярность.

Courtesy The Art Institute of Chicago/Helen Birch Bartlett Memorial Collection
9. Жорж Сера, Воскресный день на острове Гранд-Жатт, 1884-1886 гг.
Шедевр Жоржа Серата, напоминающий о Париже эпохи Красоты, на самом деле изображает рабочий пригород, расположенный далеко за пределами центра города. Серат часто делал эту среду своей темой, что отличало ее от буржуазных картин его современников-импрессионистов. Серат отказался от подхода Мане, Моне и Дега, запечатлевшего мгновение, вместо этого он стремился к ощущению вневременной неизменности, присущей греческой скульптуре. И именно это вы получаете в этой похожей на фриз процессии фигур, чья неподвижность соответствует цели Серата — создать классический пейзаж в современной форме.

Фотография: Courtesy CC/Flickr/Wally Gobetz
10. Пабло Пикассо, Авиньонские демуазели, 1907 г.
Полотно для искусства XX века, Авиньонские демуазели открыла современную эпоху, решительно порвав с репрезентативной традицией западной живописи и включив в себя аллюзии на африканские маски, которые Пикассо видел в парижском этнографическом музее во дворце Трокадеро. Его композиционная ДНК также включает в себя картины Эль Греко Видение святого Иоанна (1608-14), которая сейчас висит в музее Метрополитен. Изображенные на картине женщины на самом деле являются проститутками в борделе в родной Барселоне художника.

Фотография: Courtesy the Metropolitan Museum of Art
11. Питер Брейгель Старший, «Жатва», 1565 г.
Фанфары Брейгеля для простого человека считаются одним из определяющих произведений западного искусства. Эта композиция была одной из шести, созданных на тему времен года. Время, вероятно, начало сентября. Группа крестьян слева срезает и связывает в пучки созревшую пшеницу, а справа другая группа принимает полуденную пищу. Один из них сидит под деревом с расстегнутыми штанами. Это внимание к деталям сохраняется на протяжении всей картины, как процессия все более мелких наблюдений, удаляющихся в пространство. Это было необычно для того времени, когда пейзажи служили в основном фоном для религиозных картин.

Фотография: Любезно предоставлено CC/Wikimedia Commons/RMN (Музей Орсе)/Херве Левандовски
12. Эдуард Мане, «Дежурство на гербе», 1863 г.
Сцена пикника парижан вызвала скандал, когда картина Мане дебютировала в Салоне отказников, альтернативной выставке, состоящей из работ, отвергнутых жюри ежегодного Салона — официальной художественной выставки Академии изящных искусств, которая устанавливала художественные стандарты во Франции. Самые резкие возражения против работы Мане были связаны с изображением обнаженной женщины в компании мужчин, одетых в современную одежду. В основе картины лежат мотивы, заимствованные у таких великих мастеров эпохи Возрождения, как Рафаэль и Джорджоне, Le Déjeuner это дерзкий вызов классической фигуре — наглое смешение современной жизни и традиций живописи.

Фотография: Courtesy Kunsthaus Zürich/Geschenk Alfred Roth/1987
13. Пит Мондриан, Композиция с красным синим и желтым, 1930 г.
Небольшая картина (18 дюймов на 18 дюймов), обладающая большим историческим потенциалом, представляет собой радикальную дистилляцию формы, цвета и композиции до их основных компонентов. Ограничив свою палитру основной триадой (красный, желтый и синий), а также черным и белым, Мондриан наносил пигмент плоскими несмешанными пятнами в виде квадратов и прямоугольников, что предвосхитило минимализм.

Фотография: Courtesy Museo Nacional Del Prado
14. Диего Родригес де Сильва-и-Веласкес, Лас Менинас, или Семья короля Филиппа IV
Картина в картине, шедевр Веласкеса состоит из разных тем, сплетенных в одну: Портрет испанской королевской семьи и свиты в мастерской Веласкеса; автопортрет; почти искусство ради искусства, демонстрирующее бравурную работу кисти; и интерьерная сцена, позволяющая заглянуть в рабочую жизнь Веласкеса. Лас Менинас это и трактат о природе зрения, и загадка, ставящая зрителей в тупик относительно того, на что именно они смотрят. Это эквивалент визуального искусства — сломать четвертую стену, или, в данном случае, дальнюю стену студии, на которой висит зеркало, отражающее лица испанского короля и королевы. Это сразу же наводит на мысль, что королевская чета находится на нашей стороне картинной плоскости, поднимая вопрос о том, где мы находимся по отношению к ним. Между тем, когда Веласкес изображает себя в полный рост за мольбертом, возникает вопрос, смотрит ли он в зеркало, чтобы написать картину. Другими словами, являются ли объекты Лас Менинас (все они фиксируют свой взгляд за пределами кадра), смотрят на нас или на себя?

Фотография: Национальный центр искусств королевы Софии/Сукцессия Пабло Пикассо/VEGAP/2017
15. Пабло Пикассо, Герника, 1937 г.
Пожалуй, самая известная картина Пикассо, Герника это антивоенный крик, вызванный бомбардировкой одноименного баскского города в 1937 году во время гражданской войны в Испании немецкими и итальянскими самолетами, союзниками фашистского лидера Франсиско Франко. Противостоявшее ему левое правительство заказало Пикассо картину для испанского павильона на Всемирной выставке 1937 года в Париже. Когда он был закрыт, Герника отправилась в международное турне, а затем оказалась в Музее современного искусства в Нью-Йорке. Пикассо передал картину в MoMA с условием, что она будет возвращена в его родную Испанию после восстановления демократии, что и произошло в 1981 году, через шесть лет после смерти Франко в 1975 году (сам Пикассо умер за два года до этого.) Сегодня картина хранится в Национальном музее искусств Рейны Софии в Мадриде.

Фотография: Courtesy Museo Nacional Del Prado
16. Франсиско де Гойя-и-Лусьентес, Обнаженная Майя, около 1797-1800 гг.
Эта обнаженная женщина, которой, безусловно, комфортно в своей шкуре, не стесняясь, смотрит на зрителя, вызвала немалый ажиотаж, когда была написана, и даже привела Гойю в горячую воду с испанской инквизицией. Кроме всего прочего, на картине представлено одно из первых изображений публичных волос в западном искусстве. По заказу Мануэля де Годоя, премьер-министра Испании, «Обнаженная Майя» была дополнена другой версией с одетой натурщицей. Личность женщины остается загадкой, хотя чаще всего считается, что это молодая любовница Годоя, Пепита Тудо.

Фотография: Courtesy CC/Wikimedia Commons/Web Gallery of Art
17. Жан Огюст Доминик Ингр, Большая одалиска, 1814 г.
Заказана сестрой Наполеона, королевой Неаполя Каролиной Мюрат, Великая одалиска представляет собой разрыв художника с неоклассическим стилем, с которым он отождествлял себя на протяжении большей части своей карьеры. Эту работу можно назвать маньеристской, хотя обычно ее рассматривают как переход к романтизму, движению, которое отвергало точность, формальность и уравновешенность неоклассицизма в пользу эмоциональных реакций зрителя. Это изображение наложницы, томно расположившейся на кушетке, отличается странными пропорциями. Анатомически неправильная, эта загадочная, жуткая фигура была встречена критиками того времени с насмешками, хотя в итоге стала одной из самых долговечных работ Ингреса.

Фотография: Courtesy CC/Wikimedia Commons/Erich Lessing/Art Resource NY/Artres
18. Эжен Делакруа, Свобода, ведущая народ, 1830 г.
В память об Июльской революции 1830 года, в результате которой был свергнут король Франции Карл X, Свобода, ведущая народ стала синонимом революционного духа во всем мире. Сочетая аллегорию с современными элементами, картина представляет собой захватывающий пример романтического стиля, когда титульная героиня с французским триколором, за которой объединяются представители разных классов, штурмует баррикаду, усыпанную телами павших товарищей. Этот образ вдохновил другие произведения искусства и литературы, в том числе статую Свободы и роман Виктора Гюго Les Misérables.

Фотография: Courtesy CC/Wikimedia Commons/Art Database
19. Клод Моне, Впечатление, Восход солнца, 1874
Клод Моне — определяющая фигура импрессионизма, он практически дал название этому движению, написав картину рассвета над портом Гавра, родного города художника. Моне был известен своими исследованиями света и цвета, и это полотно является великолепным примером того, как солнце в виде оранжевого шара пробивается сквозь туманную синеву, соединяющую воду и небо.

Фотография: Courtesy CC/Wikimedia Commons/Cybershot800i
20. Каспар Давид Фридрих, Странник над морем тумана, 1819 г.
Поклонение природе, а точнее, чувство благоговения, которое она внушает, было характерной чертой романтического стиля в искусстве, и нет лучшего примера в этом отношении, чем это изображение пешего туриста в горах, остановившегося на скалистом выступе, чтобы полюбоваться окрестностями. Он повернут спиной к зрителю, как будто слишком увлечен пейзажем, чтобы повернуться, но его поза предлагает своего рода вид через плечо, который привлекает нас к висте, как будто мы видим ее его глазами.

Фотография: Любезно предоставлено CC/Wikimedia Commons
21. Теодор Жерико, Плот Медузы, 1818-1819 гг.
По силе воздействия трудно превзойти Плот Медузы, в котором Жерико взял современное новостное событие и превратил его в вечную икону. Предыстория начинается с того, что в 1818 году у берегов Африки затонуло французское военно-морское судно, в результате чего 147 моряков оказались в дрейфе на наспех сооруженном плоту. Из этого числа после 13-дневных испытаний в море, включавших случаи каннибализма среди отчаявшихся людей, осталось только 15 человек. Картина размером больше жизни, отличающаяся драматической пирамидальной композицией, запечатлела момент, когда истощенная команда плота замечает спасательный корабль. Жерико взялся за работу над массивным полотном самостоятельно, без чьей-либо оплаты, и подошел к ней как репортер-исследователь, опросив выживших и сделав множество подробных исследований на основе их показаний.

Фотография: Courtesy The Art Institute of Chicago/Friends of American Art Collection
22. Эдвард Хоппер, «Ночные ястребы», 1942 г.
Знаковое изображение городской изоляции, Ночные ястребы изображает четверть персонажей ночью в забегаловке с широким окном, занимающим почти весь фасад закусочной. Ярко освещенный интерьер — единственный источник света в сцене — заливает тротуар и окружающие здания, которые в остальном остаются темными. Стеклянный экстерьер ресторана создает эффект витрины, который усиливает ощущение, что объекты съемки (три посетителя и кассир) находятся наедине друг с другом. Это исследование отчуждения, поскольку фигуры старательно игнорируют друг друга, погружаясь в состояние задумчивости или усталости. За основу была взята давно разрушенная закусочная в районе Гринвич-Виллидж, где жил Хоппер, и некоторые искусствоведы предполагают, что картина в целом могла быть вдохновлена Винсентом ван Терраса кафе Гога ночью, которая была выставлена в галерее, которую Хоппер часто посещал в то же время, когда писал картину Ночные ястребы Также обратите внимание: рыжеволосая женщина справа — это жена художника Джо, которая часто выступала в качестве модели для него.

Фотография: Courtesy CC/Wikimedia Commons/Philadelphia Museum of Art
23. Марсель Дюшан, Обнаженная, спускающаяся по лестнице, № 2, 1912 г.
Стилистическая смесь кубизма и футуризма. Изображение Дюшаном титульного объекта в многократной экспозиции вызывает движение во времени и пространстве и было вдохновлено фотографическими исследованиями движения Эадуарда Майбриджа и Этьена-Жюля Марея. Плоскостное построение фигуры вызвало наибольшее недовольство, сделав картину предметом насмешек. Обнаженная Это одна из немногих картин, которые Дюшан создал до того, как полностью переключился на концептуалистские эксперименты (такие как «Редимады» и Большое стекло), за которые он получил известность.